Q1：能给我们介绍一下此次展览上您的作品吗？对比之前在上海和北京的展览，这次的作品有什么不同吗？

GH：这是我在 WAVELENGTH展出的第四件脚手架装置，作品的灵感源于儿童的游乐空间以及健身场所，装置的竹子被割断的多了一些，也因此变得杂乱没有什么建筑性，但更具有娱乐性。

我的作品一般只会复制上个作品50%~70%，所以每次的装置都会有点不同。不同的天气或是我们每天不同的经历，都会让我在布置展览时产生新的想法，这也是对不同城市的一种回应。

另外这是一个“多核空间’ , 每一个顶端有很多条线，就像是规则、法律、系统化行为的简单隐喻，而那些球体则代表着可能性。它们既是风景的一部分，也是肖像的一部分，更是心理学的一部分。

Q2：从过往到现在，您的装置作品有一个逐步发展的过程，心理状态的变化是怎样的呢？

GH：一年多前我首个作品在上海展出，从那时到现在，我们每个人都读了些书，看了些电影，和自己有过上百次的对话，每个人身体中的所有东西都在改变。

我现在经常对自己说，去拜访一些工作室或许更加有趣——可以同时获得游戏和实验两种体验。我也一直参与体育文化和一些历史人物有关的研究项目，并与伦敦自然历史博物馆合作。

阅读书籍和观看纪录片，也是我20年来所做的一种对话方式，这个概念很重要，否则你会像很多观众不知道背景一样，第一感觉只是好玩，但我希望大家能认识到一些严肃的问题例如：成为人类意味着什么？我们在创造着怎样的世界？

Q3：您觉得这里的资源和其它城市相比有什么不同？对于创作脚手架来说，竹子是一种非常亚洲性的材料，您好像没在其他地方这样做过？

GH：是的，像我在英国就会用钢管来创作。我在网上看到很多有趣的图片是关于竹子结构的，所以想试试这种材质。当我开始收集废弃物的时候，发现中国的街道更加干净，不像我在纽约或伦敦把一件东西放在外面好几天后，清洁公司才会把它们带走。

我们做了两个巨大的装置，我在北京用了更多材料，深圳不是很多，我不知道某种程度上，这是否强调了不同城市的特征。如果你在照片中看这个装置，它看上去会很光滑平整，但是当你实际靠近它，你会发现它很有绘画性和手工感。

Q4：我们处于数字化时代，有形有质感的东西却是人们逐渐渴求之物。您觉得这是否是人们想与某件东西建立真正的联系呢？

GH：很多人喜欢绘画艺术，但你现在也能听到“绘画已死，只剩下概念”这种说法，我已经做了20年的艺术，见证着数字图像的崛起，某种程度上你的工作环境也会随之改变，很多艺术家开始在做一些数字艺术的东西。

所以我做了很多艺术装置来回应这种感叹，依旧仅用普通的材料，虽然在概念上并没有更多新的东西，或许就像传统左派在思考主流艺术时的很多想法一样。

工业文明的进程中必将产生种种令人头疼的副产品，如何去探讨与反思社会资源、生存环境、人类心理三者之间的共生关系？到现场体验和了解Graham Hudson的作品吧，或许他的作品能给我们不一样的答案。